The Jane and Marc Nathanson Gallery
It all begins with an idea.
cite from :
https://www.artnews.com/art-collectors/top-200-profiles/jane-marc-nathanson/
Billionaires Jane and Marc Nathanson are known for once being owners of Falcon Cable, which they sold for $3.7 billion. The L.A.-based couple boasts a home collection about which the New York Times once wrote, “Having seven Andy Warhols, as the Nathansons do, is rare indeed. Rarer still is that they are the choicest cuts of the artist’s work, and all on view, with Double Elvis (1964), Two Marilyns (1962) and Large Campbell’s Soup Can (1965) among them.” They regularly acquire work at Art Basel, including pieces by Koons, Kelly, and Lichtenstein—they donated a painting by the latter, Interior with Three Hanging Lamps (1991), to the Los Angeles County Museum of Art in 2015. Marc is co-chair of the Pacific Council on International Policy, and Jane is on the board of LACMA.
億万長者のジェーンとマーク・ナサニソンは、かつてファルコン・ケーブルのオーナーだったことで知られ、同社は37億ドルで売却された。ロサンゼルスを拠点とするこの夫婦は、自宅のコレクションを誇っており、ニューヨーク・タイムズ紙はかつて「ナサニソン夫妻のようにアンディ・ウォーホルの作品を7点所有しているのは、実に珍しい。さらに珍しいのは、それらがウォーホルの作品の中でも選りすぐりの作品であり、すべて展示されており、『ダブル・エルビス』（1964年）、『二人のマリリン』（1962年）、『大きなキャンベルスープ缶』（1965年）などが含まれている」と書いた。夫妻はアート・バーゼルで定期的に作品を購入しており、クーンズ、ケリー、リヒテンシュタインの作品も含まれている。2015年には、リヒテンシュタインの絵画『室内に3つの吊りランプ』（1991年）をロサンゼルス郡立美術館に寄贈した。マークは太平洋国際政策評議会の共同議長、ジェーンはロサンゼルス・カウンティ美術館の理事である。
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Date of visit：8/20/24
Place to visit：LACMA The Jane and Marc Nathanson Gallery
Admission：$20〜$25
Heart
It all begins with an idea.
It all begins with an idea. Maybe you want to launch a business. Maybe you want to turn a hobby into something more. Or maybe you have a creative project to share with the world. Whatever it is, the way you tell your story online can make all the difference.
Don’t worry about sounding professional. Sound like you. There are over 1.5 billion websites out there, but your story is what’s going to separate this one from the rest. If you read the words back and don’t hear your own voice in your head, that’s a good sign you still have more work to do.
Be clear, be confident and don’t overthink it. The beauty of your story is that it’s going to continue to evolve and your site can evolve with it. Your goal should be to make it feel right for right now. Later will take care of itself. It always does.
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Artwork：
Date of visit：8/20/24
Place to visit：LACMA
Admission：$20〜$25
Cold Shoulder-Roy Lichtenstein
It all begins with an idea.
cite from :
https://en.wikipedia.org/wiki/Roy_Lichtenstein
https://ja.wikipedia.org/wiki/ロイ・リキテンスタイン
https://kaitoriart.com/blog/roy-lichtenstein
Roy Lichtenstein was an American pop artist. During the 1960's, along with Andy Warhol, he became a leading figure in the new art movement.
His work defined the premise of pop art through parody. Inspired by the comic strip, Lichtenstein produced precise compositions that documented while they parodied, often in a tongue-in-cheek manner. His work was influenced by popular advertising and the comic book style. His artwork was considered to be "disruptive". Lichtenstein described pop art as "not 'American' painting but actually industrial painting".
Lichtenstein's signature works, which resemble enlarged cartoon frames, began appearing in the early 1960s.
Perhaps most famous of his works is the series in which he enlarged a single frame from a manga and painted it on canvas.
When he drew Mickey Mouse cartoons for his child, he realized that cartoons had a stronger impact and expressive power than traditional paintings as art.
In his works, all objects are represented as flat surfaces surrounded by thick outlines, and colors are, in principle, solidly painted with the three primary colors : red, blue, and yellow, with shading expressed by the size and density of dots. His originality lies in his ability to find beauty in such common, stereotypical expressions.
Many art critics described Lichtenstein's work as "vulgar" and "empty."
In 1964, the popular American magazine Life published a lengthy review about Lichtenstein, calling him "the worst American artist of all time."
However, Lichtenstein paid no attention to the praise or criticism he received, and simply focused on creating art.
Being featured in a popular magazine also helped to further raise Lichtenstein's presence as a promising new artist.
Roy Lichtenstein and Andy Warhol are widely known as the twin pillars of pop art. As they were active in the same era, they are often compared.
Andy Warhol rose from a poor family and lived a scandalous life in the glamorous world, while Roy Lichtenstein, who was born into a middle-class family, lived a relatively stable life, although he was somewhat uninhibited in his love life.
Lichtenstein and Warhol were aware of each other, and here is an episode in which Lichtenstein influenced Warhol.
In his early 30s, Warhol created works based on the motifs of popular American comics "Batman" and "Superman."
However, he saw Lichtenstein creating highly polished works using the same American comics as motifs.
Warhol was very disappointed to see Lichtenstein's unique expression using dots, and from then on he stopped creating works based on American comics.
However, fate is a funny thing, as Warhol's change of direction at this time led to the creation of his masterpiece, Campbell's Soup Cans.
ロイ・リヒテンシュタインはアメリカのポップアーティストでした。1960年代、アンディ・ウォーホルとともに、新しい芸術運動のリーダー的存在となりました。
彼の作品は、パロディを通じてポップアートの前提を定義しました。コミックストリップに触発されたリヒテンシュタインは、しばしば冗談めいたやり方でパロディをしながら、それを記録した正確な構成を生み出しました。彼の作品は、大衆広告とコミックブックのスタイルに影響を受けていました。彼の作品は「破壊的」であると考えられていました。リヒテンシュタインは、ポップアートを「「アメリカ」の絵画ではなく、実際には工業絵画」と表現しました。
リキテンスタインの代名詞となっている、漫画のコマを拡大したような作品は1960年代初頭に登場する。
なかでも有名なのは漫画の一コマを拡大してキャンバスに描いたシリーズでしょう。
彼は自分の子供にミッキーマウスの漫画を描いてやった時に、従来のいわゆる芸術としての絵画よりも漫画の方が強烈なインパクトと表現力を持っていることに気が付いたという。
彼の作品では事物は全て太い輪郭線で囲まれた平面として表され、色は原則として赤・青・黄の三原色のベタ塗り、陰影はドットの大小や密度で表現されている。こうした通俗的、類型的な表現のなかに美を見出したところに彼の独創性があると言えるであろう。
リキテンスタインの作品を「低俗」「空虚」と評する美術評論家も多く存在しました。
1964年、アメリカの人気雑誌『ライフ』はリキテンスタインのことを取り上げて「彼はアメリカで史上最悪のアーティストだ」という長い批評を掲載します。
しかし、リキテンスタインは褒められてもけなされても意に介さず、黙々と作品制作に集中するのみでした。
また、人気雑誌に取り上げられたことは、リキテンスタインが注目の新人としてますます存在感を高めるきっかけにもなります。
ロイ・リキテンスタインとアンディ・ウォーホルはポップアートの双璧として広く知られています。二人は同時代に活躍したアーティストのため、比較されることも多いでしょう。
貧しい家庭から成り上がって華やかな世界でスキャンダラスな人生を送ったアンディ・ウォーホルに対し、中流階級の家庭に生まれたロイ・リキテンスタインは恋愛面の奔放さは多少あったものの、比較的堅実な人生を送ったといえるのではないでしょうか。
互いに意識し合っていたリキテンスタインとウォーホルですが、リキテンスタインがウォーホルに影響を与えたという一つのエピソードを紹介します。
30代の前半のウォーホルは、人気のアメリカンコミック『バッドマン』『スーパーマン』をモチーフに作品を制作していました。
ところがリキテンスタインが同じくアメリカンコミックをモチーフとして、完成度の高い作品を制作しているのを目にします。
ドットを使った独特な表現を見てウォーホルは非常に悔しがり、それ以来アメリカンコミックを題材とした作品から手を引きました。
しかし、このときウォーホルが方向転換を図ったおかげで名作『キャンベルスープ缶』が生まれたのですから、運命とはおもしろいものです。
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Artwork：Cold Shoulder - Roy Lichtenstein
Date of visit：8/20/24
Place to visit：LACMA
Admission：$20〜$25
Campbell’s Soup Can-Andy Warhol
It all begins with an idea.
cite from :
Why did Warhol paint Campbell's Soup Cans?
Andy Warhol is a pop art artist who has painted many masterpieces. Among his many works, the Campbell's Soup Cans series is well known.
So why did Warhol choose Campbell's Soup Cans as his motif? The reason is very simple.
"I just paint things that I think are beautiful. (Omitted) I paint soup, and that's because I love soup."
There is actually a little background to why Warhol fell in love with soup.
Warhol's mother served Campbell's Tomato Soup on the dinner table every day, and perhaps influenced by this, Warhol continued to eat Campbell's Tomato Soup even after he became an adult.
"Have you prepared today's soup? Once a day, soup every day, Campbell's Soup, of course." So Warhol followed the Campbell's Soup copy used in 1958.
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Warhol said of Campbell's soup, “I used to drink it. I used to have the same lunch every day, for 20 years, I guess, the same thing over and over again.”
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Andy Warhol was born in Pittsburgh, Pennsylvania in 1928. After graduating from Carnegie Institute of Technology, he was initially active in the commercial sector, working on illustrations for magazines such as The New Yorker and Vogue, and window decorations for Tiffany & Co.
He then began making art through drawing, and then embarked on silkscreen printing based on photography.
His work was popular among the masses for its simplicity, which differed from the traditional, difficult style of contemporary art, and he established his position and fame.
His works are characterized by the use of subjects such as Campbell's Soup Cans, Coca-Cola bottles, Elvis Presley, and Marilyn Monroe, which strongly evoke images of America.
Until his sudden death from a heart attack in 1987, he was a highly skilled artist, not just as a pop artist, but in a wide range of fields, and he continued to attract the attention of many people.
なぜ、ウォーホルはキャベル・スープ缶を描いたのか？
ポップアートのアーティストとして、数多くの傑作を描いたアンディ・ウォーホル。彼の多大な作品群の中でも、キャンベル・スープ缶のシリーズは、もうおなじみです。
では、なぜウォーホルは、モチーフにキャンベルのスープ缶を選んだのでしょう？理由はじつにシンプル。
「僕は自分が美しいと思うものを、いつも描いているだけです。（中略）僕はスープを描いていますが、それは僕がスープを好きだから。」
ウォーホルがスープを好きになったのには、実は、ちょっとした背景があります。
ウォーホルの母親は、毎日毎日、食卓にキャンベル・トマトスープを出しており、その影響からか、ウォーホルは大人になってもキャンベル・トマトスープをずっと食べ続けていたそうです。
「今日のスープは用意しましたか。１日１回、毎日スープ、もちろんキャンベル・スープ」という1958年に使われていたキャンベル・スープのコピー通りの食生活をウォーホルは送っていたわけですね。
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ウォーホルはキャンベルのスープについてこう語っている。「昔はよく飲んでいたよ。20年間くらい毎日同じランチを食べていたよ。同じものを何度も繰り返してね。」
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アンディーウォーホルは、1928年、ペンシルバニア州ピッツバーグ生まれ。カーネギー工科大学を卒業し、「ニューヨーカー」や「ヴォーグ」といった雑誌のイラストや、ティファニーのウインドウ装飾を手がけるなど、当初はおもに商業分野で活躍しました。
その後、ドローイングによるアートづくりを開始し、写真をベースとするシルクスクリーンに着手。
従来の難解な現代アートとは違う、わかりやすさが大衆に支持され、その地位と名声を確立します。
作品では、キャンベル・スープ缶、コカ・コーラ瓶、エルヴィス・プレスリー、マリリン・モンローなど、アメリカを強くイメージさせるものや人を主題にしているのが特長。
1987年に心臓発作で急死するまで、ポップ・アーティストとしてだけでなく幅広い分野で高い実力を発揮し、つねに多くの人々の注目を浴び続けていました。
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Artwork：Campbell’s Soup Can - Andy Warhol
Date of visit：8/20/24
Place to visit：LACMA
Admission：$20〜$25
Untitled(skull)-BASQUIAT
It all begins with an idea.
cite from :
https://ja.wikipedia.org/wiki/ジャン＝ミシェル・バスキア
https://media.and-owners.jp/art-studies/graphic-street/warhol_basquiat_friendship/
Jean-Michel Basquiat (December 22, 1960 – August 12, 1988) was an American painter born in Brooklyn, New York City. He is known for his graffiti-inspired works. He was of Haitian descent.
Born to a Puerto Rican immigrant mother and a Haitian immigrant father, Basquiat often went to the Museum of Modern Art in New York with his mother and looked at Picasso's Guernica. He started drawing pictures from an early age and was encouraged by his mother to pursue artistic endeavors.
At the age of 17, he began spray painting on the subway and on walls in slum areas. After continuing his work, Basquiat dropped out of high school and made a living selling T-shirts and postcards. Andy Warhol bought one of the postcards he was selling at the time for $1.
Gradually, his spray paintings began to be recognized, and with the help of Keith Haring and Barbara Kruger, he began to have solo exhibitions in New York. The crowns he draws in his paintings are his trademark.
The name of the noise band he once formed, GRAY, was derived from a book called Gray's Anatomy that his mother brought to the hospital room after her car accident. This book also influenced his art style of depicting bones and skeletons.
In 1983, he met Andy Warhol and they began to collaborate on art. Warhol's first impression of Basquiat was not very good, and he said he was afraid of Basquiat until they became closer friends. The critics' reactions to their joint exhibition "Andy Warhol and Jean-Michel Basquiat" held in the fall of 1985 were not good, and this led to the breakdown of their relationship. The two continued to stimulate each other until Warhol's death in 1987, but Basquiat gradually became addicted to drugs such as heroin and began to show delusions. After Warhol's death, Basquiat became even more lonely and became increasingly addicted to heroin.
In 1988, he died of a heroin overdose at the age of 27. He was buried in The Green-Wood Cemetery in New York.
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Andy Warhol and Jean-Michel Basquiat are two artists who represent American art in the 1980s. Many people know that the two were friends and were close enough to collaborate on art projects. However, Warhol died suddenly in 1987, and Basquiat passed away just one year later at the young age of 27. What on earth happened in the 10 years since the two first met? Let's take a deeper look at the relationship these two genius artists built.
In 1979, Basquiat found Warhol eating at a restaurant in Manhattan. Basquiat, who had been active as part of the graffiti group "SAMO" since 1976, introduced himself as an up-and-coming artist. Henri Geldzahler, a curator of contemporary American art who was dining with Warhol, was not interested in Basquiat, calling him "too young," but Warhol bought a postcard of Basquiat for $1.
Basquiat began to move from the streets to galleries and then to museums, and entered the world of fine art in earnest in 1980. In 1981, he participated in the "New York/New Wave" exhibition held at MoMA PS1 (an annex of the Museum of Modern Art in New York, an exhibition facility specializing in contemporary art) together with Warhol and Keith Haring, attracting the attention of many galleries.
In 1982, Basquiat visited Warhol's studio, "The Factory," and was formally introduced to Warhol by Swiss art dealer/collector Bruno Bischofberger. In fact, it was Bischofberger's discovery of Basquiat painting in Manhattan that led to Basquiat's full-fledged career.
Bischofberger arranged the lunch, and Warhol and Basquiat immediately hit it off. Warhol took a self-portrait of the two of them with a Polaroid camera. When Basquiat returned home after the lunch, Warhol sent him a painting of the two of them based on the photo within just two hours. "The painting was still wet," Warhol recalled.
In a 2020 paper, art historian Tony Morris wrote, "This action may have been due to Basquiat's passionate desire for approval from Warhol, but it may also have been to show Warhol how he could create something in such a short time." In any case, the painting, titled "Dos Cabezas," ignited the friendship between the two and became a symbolic work that marked the beginning of their relationship. Thus began their collaboration, and Warhol supported Basquiat's career.
Through Bischofberger's efforts, the two began working together in 1983. Basquiat gave Warhol a canvas on the day they first met, and the two continued to exchange paintings.
Their collaboration combined Warhol's pop art style with Basquiat's impulsive and unpredictable approach, resulting in works that literally fused the styles of the two artists. For example, "Arm and Hammer II" features the logo of the American baking soda brand "Arm & Hammer," and "Keep Frozen (General Electric)" features the logo of General Electric, the world's largest general electric manufacturer, both of which are traditional pop art expressions, but Basquiat's dynamic, painterly drawings bring momentum and brilliance to the two.
Basquiat encouraged Warhol to resume freehand painting, and Basquiat began to try Warhol's signature technique, screen printing, for the first time. Despite their differences in style, the two artists greatly influenced each other and expanded their methods of expression. In fact, Warhol hand-painted logos and other designs with a free-flowing brushstroke reminiscent of the early days of his career. Below are some representative works created jointly by Warhol and Basquiat.
Their passionate friendship and collaboration came to an end after the failure of their joint exhibition "Andy Warhol and Jean-Michel Basquiat" in the fall of 1985.
The exhibition was not well received by critics, with Basquiat being called Warhol's "mascot" in an article in the New York Times. Their friendship was often questioned, with some critics thinking that "Basquiat was riding on Warhol's fame" or "Warhol was using Basquiat to ride on the popularity of younger artists." However, Warhol wrote a lot about Basquiat in his diary, saying "he's the best," and the large number of photographs he left behind proves that they were true friends.
Basquiat, who was a heroin addict and suffered from depression, gradually began to distance himself from Warhol. Warhol was aware of this, and wrote in his diary on June 21, 1985, three months before the exhibition, "Basquiat doesn't return my calls. He used to call me wherever he was."
After the exhibition, Basquiat felt alienated, thinking that his work was not as highly regarded as he had hoped and that he was being treated coldly by the public, and he increased his drug intake. Basquiat stopped calling Warhol, and the two stopped working together. Then, in February 1987, on the 22nd, the day after Warhol's gallbladder surgery, Warhol's condition suddenly worsened and he passed away. Shaken by Warhol's death, Basquiat took even more destructive actions, and the following year, in 1988, he died of an overdose, following Warhol's footsteps.
Warhol, a symbol of the era as the flag bearer of pop art, and Basquiat, a rising star artist who had descended upon the art world. The relationship between these two and the works they created together were misunderstood by many critics at the time, but it was undoubtedly one of the most inspiring collaborations ever.
Why did someone who never ceased to fascinate people end his life so tragically and so short? People will continue to be drawn to the friendship that Warhol and Basquiat built over just a few years.
ジャン＝ミシェル・バスキア（1960年12月22日 - 1988年8月12日）は、ニューヨーク市ブルックリンで生まれたアメリカの画家。グラフィティ・アートをモチーフにした作品で知られる。ハイチ系アメリカ人。
プエルトリコ系移民の母親とハイチ系移民の父親の間に生まれ、母に連れられニューヨーク近代美術館に行きピカソのゲルニカを良く見ていた。幼い頃から絵を描き、芸術的な活動をするように母親から奨励されていた。
17歳の頃から地下鉄、スラム街地区の壁などにスプレーペインティングを始める。活動を続けるうちに高校を中退したバスキアは、Tシャツやポストカードを売りながら生計を立てていた。アンディ・ウォーホルはこの時に売っていたポストカードを1ドルで購入した。
徐々に彼の描いたスプレーペインティングは評価され、キース・ヘリング、バーバラ・クルーガーの助力でニューヨークで個展を開くようになった。絵の中に描かれる王冠は彼のトレードマークとなっている。
一時結成していたノイズバンド「GRAY」の名は交通事故の際母親が病室に持ち込んだグレイの解剖書という本が由来している。 この本は骨や骸骨を書くアートスタイルにも影響している。
1983年にはアンディ・ウォーホルと知り合い、作品を共同制作するようにもなる。 初対面のバスキアへのアンディ・ウォーホルの印象はあまりいい物ではなく、交友を深め合うまではアンディ・ウォーホルはバスキアを怖がっていたと語っている。 1985年の秋に開催された共同の展覧会「Andy Warhol and Jean-Michel Basquiat」の批評家達の反応はいい物ではなく これをきっかけに二人の関係は破綻。 1987年のウォーホルの死まで2人の互いに刺激しあう関係は続いたが、バスキアは徐々にヘロインなどの薬物依存症に陥り、妄想癖が見られるようになった。そしてウォーホルの死によりさらに孤独を深めると共に、ますますヘロインに溺れていった。
1988年、ヘロインのオーバードースにより27歳で死去。ニューヨークのザ・グリーン＝ウッド墓地に埋葬された。
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1980年代のアメリカ芸術を代表する二人のアーティスト、アンディ・ウォーホルとジャン＝ミシェル・バスキア。二人の間に交友関係があり、共同で作品制作もするほど仲が深かったのは知っている人も多いはず。しかし、1987年にウォーホルが急死すると、そのわずか一年後にバスキアも27歳の若さでこの世を去ってしまっている。二人が出会って10年足らずの間に一体何があったのだろうか？二人の天才アーティストが築いた関係を深掘りしてみる。
1979年、バスキアはウォーホルがマンハッタンにあるレストランで食事をしているところ見つける。1976年からグラフィティユニット「SAMO」として活動していたバスキアは、自身を新進のアーティストだと自己紹介した。ウォーホルと一緒に食事をしていたアメリカ現代美術のキュレーターのヘンリ・ゲルツァラーはバスキアを「若すぎる」と興味を示さなかったが、ウォーホルはバスキアのポストカードを1ドルで購入した。
バスキアは1980年から活動の場をストリートからギャラリー、そして美術館へと移行させ、本格的にファインアートの世界へと参入を始めた。1981年には、ウォーホルやキース・ヘリングらと共に「MoMA PS1（ニューヨーク近代美術館の別館でコンテンポラリーアート部門専門の展示施設）」で開催された「New York/New Wave」展に参加し、多くのギャラリーの注目を集めた。
1982年、バスキアはウォーホルのスタジオ「ファクトリー」を訪れ、スイスの美術商/コレクターのブルーノ・ビショフベルガーによってウォーホルに正式に紹介された。実は、このビショフベルガーがマンハッタンで絵を描いているバスキアを発見したことが、バスキアが本格的に活動を開始するきっかけである。
ビショフベルガーがランチをセッティングし、ウォーホルとバスキアはすぐに意気投合。ウォーホルはその時にポラロイドカメラで二人のセルフポートレートを撮影した。ランチを終えてバスキアが家に帰ると、わずか2時間以内に、その写真をもとに描いた二人の絵がウォーホルの元へ送られてきたという。「絵はまだ濡れていた」とウォーホルは当時のことを回想している。
美術史家のトニー・モリスは2020年の論文で、「この行動はバスキアのウォーホルに対しての熱い承認欲求からくるものだったかもしれないが、自分がいかに短い時間で制作できるかをウォーホルに示す目的もあったかもしれない」とも述べている。いずれにせよ、《Dos Cabezas》と名付けられた絵は二人の友情の火をつけ、関係の始まりを示す象徴的な作品となった。そうして二人のコラボレーションが始まり、ウォーホルはバスキアのキャリアを後押ししていくのである。
ビショフベルガーの働きかけによって、二人は1983年から共同で制作をするようになる。バスキアがウォーホルに初めて会った日にキャンバスを贈ったことから、ウォーホルとバスキアの間で絵画の交換が続けられた。
二人の共同制作は、ウォーホルのポップアートの手法とバスキアの衝動的で予測不可能なアプローチを組み合わせた、文字通りに二人のスタイルを融合した作品が生み出された。例えば、《Arm And Hammer II》は、アメリカの重曹のブランド「アーム＆ハンマー」のロゴ、《Keep Frozen (General Electric)》は、アメリカの世界最大総合電機メーカー「ゼネラル・エレクトリック」のロゴを配置するという正統派なポップアート表現に対して、バスキアのダイナミックで絵画的なドローイングが勢いと華やかさをもたらしている。
バスキアはウォーホルに、フリーハンドのペインティングを再開するよう促し、バスキアはウォーホルの代名詞である技法「スクリーンプリント」を初めて試みるようになるなど、二人にスタイルの違いはあっても互いに大きな影響を与え合い、新たな表現方法を広げあっていたのだ。実際に、ウォーホルはキャリア初期を彷彿とさせる自由な筆致でロゴなどを手書きでペイントした。以下はウォーホルとバスキアが共同で制作した作品の代表的なものである。
二人の熱い交友関係、そしてコラボレーションは、1985年の秋に開催された共同の展覧会「Andy Warhol and Jean-Michel Basquiat」の失敗をきっかけに破綻を迎えた。
この展覧会に対する批評家の反応は芳しくなく、バスキアはニューヨーク・タイムズの記事でウォーホルの「マスコット」と呼ばれてしまった。しばしば、二人の友情は疑問視されていて、「バスキアがウォーホルの名声に便乗している」とか「ウォーホルがバスキアを利用して、若い芸術家の人気に便乗している」などと考える批評家もいた。しかし、ウォーホルは日記に「彼は最高だ」などとバスキアのことを多く記し、大量に残された写真は真の友人であることを物語っている。
ヘロイン常用者で、うつ病も抱えていたバスキアは次第にウォーホルと距離を置き始めていた。ウォーホルもそのことに気づいており、この展覧会の3カ月前から「バスキアに電話しても返ってこない。前ならどこにいてもいつも電話をくれていたのに」と、1985年6月21日の日記に残している。
展覧会を終え、自分の作品が思ったほど評価されていない、世間から冷遇されていると疎外感を覚えたバスキアは薬物の摂取量が増えた。バスキアはウォーホルに電話することもなくなり、二人で共同制作もしなくなる。そして、1987年2月、ウォーホルは胆のうの手術を受けた翌日の22日に容態が急変し、この世を去った。ウォーホルの死に動揺したバスキアはさらに破滅的な行動に走り、翌年1988年、オーバードーズによりウォーホルの後を追うように亡くなった。
ポップアートの旗手として時代を象徴するウォーホル、そしてアート界に舞い降りた新星アーティストのバスキア。この二人の関係性や共に制作した作品は、当時多くの批評家に誤解されながらも、紛れもなく、最も刺激的なコラボレーションであった。
なぜ、人々を惹きつけてやまない人物はこうも悲劇的に、その生涯を短く終えてしまうのだろうか。ウォーホルとバスキアが築いた、たった数年の友情関係にこれからも人々は惹きつけられていく。
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Artwork：Untitled (skull) - Basquiat
Date of visit：8/21/24
Place to visit：THE BROAD
Admission：Free
Liz (Elizabeth Taylor)-Andy Warhol
It all begins with an idea.
cite from :
Successful actress, Elizabeth Taylor. Warhol first painted her portrait in 1963 when she was at the height of her career. Yet she was also severely ill with pneumonia. This highlights Warhol’s fascination with celebrity and death that began with his painting of Marilyn Monroe following her suicide in 1962 and continued throughout his oeuvre. In this portrait Warhol used a publicity photograph for Taylor’s film ‘Butterfly 8’ as the basis for the screenprint. It is typical of his 1960s Pop style with vibrant, flat blocks of colour. This poster was made for an exhibition held in 1965, the same year Warhol famously announced that he was ‘retiring’ from painting.
成功した女優、エリザベス・テイラー。ウォーホルが初めて彼女の肖像画を描いたのは、1963年、彼女がキャリアの絶頂期にあったときでした。しかし、彼女は肺炎で重病を患っていました。これは、1962年に自殺したマリリン・モンローを描いたことから始まり、作品全体を通して続いた、有名人と死に対するウォーホルの強い関心を浮き彫りにしています。この肖像画で、ウォーホルはテイラーの映画「バタフライ8」の宣伝写真をスクリーンプリントのベースとして使用しました。鮮やかでフラットな色のブロックを使った、1960年代のポップスタイルの典型です。このポスターは、ウォーホルが絵画から「引退」することを発表した有名な年である1965年に開催された展覧会のために制作されました。
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Artwork：Liz ( Elizabeth Taylor ) - Andy Warhol
Date of visit：8/21/24
Place to visit：THE BROAD
Admission：Free
Walt Disney Concert Hall-Frank Gehry
It all begins with an idea.
cite from :
https://en.wikipedia.org/wiki/Walt_Disney_Concert_Hall
The Walt Disney Concert Hall at 111 South Grand Avenue in downtown Los Angeles, California, is the fourth hall of the Los Angeles Music Center and was designed by Frank Gehry. It was opened on October 23, 2003. Bounded by Hope Street, Grand Avenue, and 1st and 2nd Streets, it seats 2,265 people and serves, among other purposes, as the home of the Los Angeles Philharmonic orchestra and the Los Angeles Master Chorale. The hall is a compromise between a vineyard-style seating configuration, like the Berliner Philharmonie by Hans Scharoun, and a classical shoebox design like the Vienna Musikverein or the Boston Symphony Hall.
Lillian Disney made an initial gift of $50 million in 1987 to build a performance venue as a gift to the people of Los Angeles and a tribute to Walt Disney's devotion to the arts and to the city. Both Gehry's architecture and the acoustics of the concert hall, designed by Minoru Nagata, the final completion supervised by Nagata's assistant and protege Yasuhisa Toyota,have been praised, in contrast to its predecessor, the Dorothy Chandler Pavilion.
The Walt Disney Concert Hall was designed by world-renowned architect Frank Gehry. Despite being a well-accomplished architect at the time of design, Gehry found himself an unlikely candidate for the job when the Disney family was looking for the hall's designer. Even with the location of the Walt Disney Concert Hall set to be in his hometown of Los Angeles, California, Gehry, when discussing his thoughts at the time the architect was selected, said, "it was the least likely thing that I thought would ever happen to me in my life". Gehry's opinion was supported by the representative of the Disney family. Gehry says he was told, "that under no circumstances would Walt Disney's name be on any buildings that I design". Much of this doubt came from Gehry's reputation for relying on the use of cheap materials in his architecture that were used in unconventional ways. With the Walt Disney Concert Hall being a project that demanded a high budget and an elegant style, Gehry did not seem like the right candidate for the job. However, Gehry's determination landed him the job of designing the hall, as he produced a design that caught the eye of Walt Disney's widow, Lilian. His design included some of the elements of the deconstructivist architecture that he was known for, while still producing an elegant structure.
The project was initiated in 1987, when Lillian Disney, widow of Walt Disney, donated $50 million. Frank Gehry delivered completed designs in 1991. Construction of the underground parking garage began in 1992 and was completed in 1996. The garage cost had been $110 million, and was paid for by Los Angeles County, which sold bonds to provide the garage under the site of the planned hall. Construction of the concert hall itself stalled from 1994 to 1996 due to lack of fundraising. Additional funds were required since the construction cost of the final project far exceeded the original budget. Plans were revised, and in a cost-saving move the originally designed stone exterior was replaced with a less costly stainless steel skin. The needed fundraising restarted in earnest in 1996, headed by Eli Broad and then-mayor Richard Riordan. Groundbreaking for the hall was held in December 1999. Delay in the project completion caused many financial problems for the county of LA. The County expected to repay the garage debts by revenue coming from the Disney Hall parking users.
Due to the mathematical complexity of Gehry's innovative design, he relied on computer software to produce his design in a way that could be completed by contractors. The technology, called CATIA (computer-aided three-dimensional interactive application) is typically used in the design process for French fighter jets, but its mathematical ability aided Gehry in his process of designing the Walt Disney Concert Hall. Perhaps it is the angle-based design of the concert hall that required the use of CATIA, which can be seen on the exterior of the building. For example, the box columns on the north side of the Walt Disney Concert Hall are tilted forward at seventeen degrees. The angular design was used by Gehry to "symbolize musical movement and the motion of Los Angeles".
Upon completion in 2003, the project cost an estimated $274 million; the parking garage alone cost $110 million. The remainder of the total cost was paid by private donations, of which the Disney family's contribution was estimated at $84.5 million with another $25 million from The Walt Disney Company. By comparison, the three existing halls of the Music Center cost $35 million in the 1960s (about $330 million in 2021 dollars).
カリフォルニア州ロサンゼルスのダウンタウン、サウス グランド アベニュー 111 番地にあるウォルト ディズニー コンサート ホールは、ロサンゼルス ミュージック センターの 4 番目のホールで、フランク ゲーリーが設計しました。2003 年 10 月 23 日にオープンしました。ホープ ストリート、グランド アベニュー、1 番街と 2 番街に囲まれたこのホールは、2,265 席を収容でき、ロサンゼルス フィルハーモニック管弦楽団やロサンゼルス マスター コーラスの拠点として使用されています。このホールは、ハンス シャルーンが設計したベルリン フィルハーモニーのようなブドウ園スタイルの座席配置と、ウィーン楽友協会やボストン交響楽団ホールのような古典的なシューボックス デザインを折衷したものです。
リリアン・ディズニーは、ロサンゼルスの人々への贈り物として、またウォルト・ディズニーの芸術と街への献身への敬意として、1987 年に 5,000 万ドルを寄付し、パフォーマンス会場を建設しました。世界的建築家フランク・ゲーリーが建築全体を設計し、コンサートホールの音響部分は永田實が設計し、永田のアシスタントで弟子の豊田泰久が最終仕上げを監修したが、その前身であるドロシー・チャンドラー・パビリオンとは対照的に高く評価されている。
ウォルト・ディズニー・コンサートホールは、世界的に有名な建築家フランク・ゲーリーが設計。設計当時は優れた建築家であったにもかかわらず、ディズニー一家がホールの設計者を探していたとき、ゲーリーは自分がその仕事にふさわしくない候補者であることに気付いた。ウォルト・ディズニー・コンサートホールの場所が故郷のカリフォルニア州ロサンゼルスに決まったにもかかわらず、ゲーリーは建築家が選ばれたときの考えを語る際、「人生で自分に起こるとは思ってもみなかったこと」と述べた。ゲーリーの意見はディズニー一家の代表者によって支持された。ゲーリーは、「私が設計する建物にウォルト・ディズニーの名前が付くことは決してない」と言われたと述べている。この疑念の多くは、ゲーリーが建築において安価な材料を型破りな方法で使用していたという評判から来ています。ウォルト ディズニー コンサート ホールは高額の予算とエレガントなスタイルが要求されるプロジェクトであったため、ゲーリーはこの仕事にふさわしい候補者とは思えませんでした。しかし、ゲーリーの強い意志により、彼はホールの設計の仕事に就くことができました。彼のデザインはウォルト ディズニーの未亡人リリアンの目に留まりました。彼のデザインには、彼が得意とする脱構築主義建築の要素がいくつか含まれていましたが、それでもエレガントな構造でした。
このプロジェクトは、ウォルト・ディズニーの未亡人リリアン・ディズニーが 5,000 万ドルを寄付した 1987 年に開始されました。フランク・ ゲーリーは 1991 年に完成したデザインを納品しました。地下駐車場の建設は 1992 年に始まり、1996 年に完了しました。駐車場の費用は 1 億 1,000 万ドルで、ロサンゼルス郡が債券を発行して計画中のホールの敷地の下に駐車場を建設し、その費用を負担しました。コンサートホールの建設自体は、資金調達不足のため 1994 年から 1996 年まで停滞しました。最終的なプロジェクトの建設コストが当初の予算を大幅に上回ったため、追加の資金が必要になりました。計画は修正され、コスト削減策として、当初設計された石造りの外装は、より安価なステンレス鋼の外皮に置き換えられました。必要な資金調達は、エリ・ブロードと当時の市長リチャード・リオーダンの指揮の下、1996 年に本格的に再開されました。ホールの起工式は 1999 年 12 月に行われました。プロジェクトの完了が遅れたため、ロサンゼルス郡は多くの財政問題に見舞われました。郡は、ディズニーホールの駐車場利用者からの収入でガレージの負債を返済することを期待していました。
ゲーリーの革新的なデザインは数学的に複雑であったため、彼はコンピューター ソフトウェアを使用して、請負業者が完成できる方法でデザインを作成しました。 CATIA (コンピュータ支援 3 次元インタラクティブ アプリケーション) と呼ばれるこの技術は、フランスの戦闘機の設計プロセスでよく使用されますが、その数学的能力は、ゲーリーがウォルト ディズニー コンサート ホールを設計するプロセスで役立ちました。おそらく、建物の外観に見られるように、コンサート ホールの角度に基づいた設計に CATIA の使用が必要だったのでしょう。たとえば、ウォルト ディズニー コンサート ホールの北側にある箱型の柱は、前方に 17 度傾いています。ゲーリーは、この角度のある設計を「音楽の動きとロサンゼルスの動きを象徴する」ために使用しました。
2003 年に完成した時点で、このプロジェクトの費用は推定 2 億 7,400 万ドルで、駐車場だけで 1 億 1,000 万ドルかかりました。残りの総費用は、ディズニー家の寄付が 8,450 万ドル、ウォルト ディズニー カンパニーからの寄付が 2,500 万ドルと推定されています。比較すると、ミュージックセンターの既存の3つのホールの建設費は1960年代に3,500万ドル（2021年の価値に換算すると約3億3,000万ドル）だった。
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Artwork：Walt Disney Concert Hall - Frank Gehry
Date of visit：8/21/24
Place to visit：Walt Disney Concert Hall
Admission：Free
Balloon Dog-Jeff Koons
It all begins with an idea.
cite from :
https://en.wikipedia.org/wiki/Balloon_Dog
Balloon Dog is a series of sculptures by the American artist Jeff Koons. There are different versions of this sculpture, made between 1994 and 2000, with each having a different color: blue, magenta, yellow, orange and red. All versions of the sculpture are made of stainless steel, using different coatings to produce the different colors.
Balloon Dog is part of Koons' Celebration series of artworks and is one of many sculptures inspired by inflatable characters, including Balloon Swan (2004–2011), Balloon Rabbit (2005–2010), and Balloon Monkey (2006-2013).
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Koons said about the series, "I've always enjoyed balloon animals because they're like us ... We're balloons. You take a breath and you inhale, it's an optimism. You exhale, and it's kind of a symbol of death"
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In 2013, Balloon Dog (Orange) sold at Christie's for $58.4 million. As of 2023, it is the fourth most expensive work sold by a living artist at auction.
In the video game Grand Theft Auto Online, developers released Yellow Dog with Cone, a derivative piece of virtual art inspired by Balloon Dog. Yellow Dog with Cone is available for purchase by players in-game and quickly rose in popularity among fans.
In the 2023 film Spider-Man: Across the Spider-Verse, a rendering of the Balloon Dog (Blue) is prominently featured in a scene set in the Solomon R. Guggenheim Museum. In response, Koons said he was "thrilled" to be a part of the film
Rabbit, 1986, a series of three identical sculptures by Koons; one of which is the most expensive work sold by a living artist at auction.
バルーン ドッグは、アメリカ人アーティストのジェフ クーンズによる彫刻シリーズです。この彫刻には 1994 年から 2000 年にかけて作られたさまざまなバージョンがあり、それぞれ青、マゼンタ、黄色、オレンジ、赤の色が異なります。彫刻のすべてのバージョンはステンレス鋼で作られており、さまざまな色を出すためにさまざまなコーティングが使用されています。
バルーン ドッグはクーンズの Celebration シリーズの作品の一部であり、バルーン スワン (2004 年 - 2011 年)、バルーン ラビット (2005 年 - 2010 年)、バルーン モンキー (2006 年 - 2013 年) など、インフレータブル キャラクターにインスピレーションを得た多くの彫刻の 1 つです。
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クーンズはシリーズについて、「バルーンアニマルは私たちと同じなので、いつも楽しんでいます...私たちは風船です。息を吸って吸い込むと、楽観的になります。息を吐くと、一種の死の象徴になります」と語っています。
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2013年、バルーンドッグ（オレンジ）はクリスティーズで5840万ドルで落札されました。2023年現在、オークションで現存するアーティストの作品の中で4番目に高額で落札されています。
ビデオゲーム「グランド・セフト・オート・オンライン」では、開発者がバルーンドッグに触発された仮想アートの派生作品であるイエロードッグウィズコーンをリリースしました。イエロードッグウィズコーンはゲーム内でプレイヤーが購入でき、ファンの間で急速に人気が高まりました。
2023年の映画「スパイダーマン：スパイダーバース」では、ソロモン・R・グッゲンハイム美術館を舞台にしたシーンでバルーンドッグ（ブルー）のレンダリングが目立つように登場しています。これに対し、クーンズは映画に参加できて「興奮している」と述べた。
ラビットは、1986年、クーンズによる3つの同じ彫刻のシリーズ。そのうちの1つは、オークションで現存するアーティストの作品の中で最も高額で落札された作品である。
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Artwork：Balloon Dog - Jeff Koons
Date of visit：8/21/24
Place to visit：THE BROAD
Admission：Free
Shirokiya Antique preserves fine Japanese precious art in Hawaii.
